Comprendre le Dialogue
L’idée de la communication remonte à des notions fondamentales dans la biologie : la réaction des entités vivantes à leur environnement. Avant même l'apparition du langage, les organismes réagissaient pour assurer leur survie, bien qu'ils ne possèdent ni conscience ni choix. Cette interaction constante entre l'entité et son environnement peut être considérée comme une forme de communication. De la même manière, dans l’écriture dramatique, les personnages expriment leurs besoins, désirs, actions et réactions à travers le dialogue. Cela met en avant les concepts de communication, de survie, et d'interaction qui sont au cœur du dialogue dans les scénarios.
Fonction et But du Dialogue
Le dialogue en film et télévision a trois fonctions principales :
- Faire progresser l'intrigue,
- Éclairer le caractère des personnages, et
- Divertir.
Il est important de penser au dialogue comme un mode de communication. En général, cette communication se fait entre deux entités : un émetteur et un récepteur. L'émetteur transmet des informations, des émotions, des données ou des intérêts à un récepteur. Dans le dialogue scripté, cela se traduit par des échanges verbaux entre personnages. Parfois, la communication peut aussi être à sens unique, comme parler à un objet ou à un animal.
Le terme "dialogue" vient du grec dia ("à travers", "entre") et logue ("discours"). Il implique une communication verbale entre des personnages dans un espace scénarisé, comme dans un film ou une série. Mais cette forme de communication ne doit pas se limiter aux scripts ; elle reflète également des éléments de la communication réelle, comme la manière dont les amis échangent ou comment les amoureux conversent.
Différences entre la communication réelle et le dialogue scénarisé
Dans la vie réelle, une conversation "excellente" signifie généralement être compris, divertir, ou apprendre quelque chose. Ces échanges peuvent être énergisants, stimulants, voire provocateurs. Parfois, dans une conversation fluide, on peut même surpasser ses propres attentes, comme un match de tennis avec un adversaire plus fort qui vous pousse à améliorer votre jeu.
Cependant, dans le cadre du dialogue scénarisé, ce qui rend la communication intéressante n'est pas nécessairement la compréhension mutuelle, mais souvent la lutte pour être compris. C'est cette tension, cette frustration de ne pas parvenir à une connexion claire, qui donne du poids au dialogue. Par exemple, imaginez une scène où une personne informe son ex-conjoint de ses fiançailles dans un cadre professionnel. Ce type de communication, malaisante et conflictuelle, rend la scène plus réaliste et émotionnellement captivante.
Concepts clés :
- Texte et sous-texte : Le dialogue ne se limite pas à ce qui est dit explicitement (texte), mais il doit aussi refléter les pensées ou émotions cachées des personnages (sous-texte).
- Voix : Chaque personnage doit avoir une voix unique qui reflète son caractère, son passé et ses motivations.
- Conflit : Le conflit est essentiel dans le dialogue pour créer de la tension et captiver l'audience. C’est souvent le moteur qui fait avancer l’histoire.
- Exposition : Le dialogue doit parfois livrer des informations essentielles à l’intrigue, mais sans paraître artificiel ou forcé.
- Style : Le style de dialogue doit être en accord avec le ton général de l'œuvre, que ce soit une comédie, un drame, ou un thriller.
Conclusion
Le dialogue dans un scénario a des similitudes avec la communication réelle, mais il s'en distingue par ses tensions internes, ses luttes, et sa capacité à rendre explicites ou subtiles les pensées des personnages. Il doit non seulement faire avancer l'histoire mais aussi capter l'attention du spectateur en révélant le caractère et les relations entre les personnages. La maîtrise de ces nuances transforme un simple échange verbal en une pièce maîtresse de l’écriture dramatique.